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LA PATRIA GRANDE AGRIETADA

Fragmento de uno de los murales mayas más antiguos, descubierto en el año 2001 en San Bartolo, una pequeña ciudad -4km2- ubicada en el norte del Petén guatemalteco, al noreste de Tikal, muy cercana -8 km- a Xultún.

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¿QUÉ ES Y PARA QUÉ SIRVE LA IDENTIDAD?


Entre los soldados de Belgrano, Artigas, San Martín y Bolívar había payadores, pintores que no habían ido a aprender su oficio a ninguna academia de bellas artes, bailarines que no se habían diplomado en ninguna academia nacional de danzas, indios que no sabían hablar español, negros que hasta tener que entregar sus vidas por la "Patria Grande" sólo habían sido tratados como seres inferiores... Casi ninguno sabía leer y escribir. Ocurrió durante la primera mitad del Siglo 19.

 Hoy, que ya hemos transitado diecisiete años del Siglo 21, continuamos escuchando en escuelas o a través de los medios de difusión calificaciones (¿o más bien descalificaciones?) que separan: Arte o "Artesanía", Música Seria o "Música popular", Poesía o "Payada", Arte plástico o "Ilustración", Cine Arte y "Cine popular"...  Sí, mi amigo, en el campo de las expresiones artísticas también hay una "grieta" que separa a los cero identidad (los "medio pelo" ¡bah!) de los que no lo somos y nos gusta el aire de aquí.

La grieta argentina se consolidó como p`a siempre  a partir de una frase creada y publicada en el Siglo 19 por el "padre del aula, Sarmiento inmortal": "Civilización y Barbarie".

La consigna fue: Terminar con los "bárbaros" (indios y gauchos) a balazos, ya que "su sangre para lo único que sirve es como abono de la tierra".

Durante los cien años que fueron desde la caída del gobierno de Juan Manuel de Rosas  hasta la mitad del Siglo 20 (con el pequeño alivio de los pocos años gobernados por Hipólito Irigoyen) todo lo que proviniera del "pueblo iletrado" (la chusma, los orilleros, los "cabecitas", los negros de m.) no se consideraba expresión artística merecedora de que se la tuviera en cuenta.

 


Dice Rodolfo Kusch, en su "Anotaciones para una estética de lo americano":

"El problema del arte en América Latina es el problema de su vida política, social y económica. Se trata de la misma alternancia amarga entre luz y sombra, la misma reversión de lo que nos parece real y firme y nos infunde placer por el sentimiento de lo tenebroso y una realidad amorfa y sombría. Detrás del formalismo elegante de Mitre, la fealdad heroica del Martín Fierro. El arte americano es dual, bifronte, con dos caras que mantienen entre sí un abismo similar a la oposición maldita entre Dios y el Diablo."

 


Los profesores Abel Anibal Zabala, Ricardo Acebal y Alberto Sorzio conduciendo una clase especial sobre Payadores en el Area Folklore de la UNA (Universidad Nacional del Arte). Foto: Rafael L. Gindin.


Dice el profesor bonaerense Abel Anibal Zabala en "Caminé con ellos-Maestros de la palabra viva que alimentaron mis sueños", tercer libro en el que refleja su concienzuda investigación de 62 años acerca del arte de los payadores:

"Allá por 1974, los payadores orientales Gustavo Guichón y Nilo Cavallero actuaron en un bar ubicado junto a la estación de trenes y la parada de colectivos, en Santa Lucía, pueblo de mi residencia. De más está decir que allí estuve junto a ellos. Pero, también, debo decir que la presencia de un docente de escuela secundaria en una "cantada" noctámbula no tenía una prensa muy favorable entre la gente bien. Los payadores, no mencionaron mi presencia para evitar maledicencias que pudieran dañar mi reputación presentándome como un mal ejemplo frente a mis alumnos... Bien conocían los prejuicios del medio pelo argentino que, como la Castilla de Machado, "desprecia cuanto ignora".

Estaba "mal visto" que un profesor frecuentara esos "antros de vagancia"... siendo que -en realidad- estaban poblados, mayoritariamente, por obreros, reeditando la escena que pintara don Luis Alberto Martínez:
Cuando la noche manda a terminar la brega

dejando la mancera, la fragua y el taller,

en el café del pueblo el bardo los congrega

y el canto milagrero tiene alma de mujer.

                                      (Martínez: 1997:34)

Viví (sufrí) en carne propia el paternalismo humillante de pretendidos eruditos que atendieron mis inclinaciones payadoriles con dadivosa condescendencia, trasuntando una indulgencia caritativa, frente a mis pedestres opciones..."

 


Kawéskar-yamana, sobrevivientes de un genocidio cometido en nombre del "progreso" por civilizados nacidos afuera y adentro del territorio americano.


UN BOTÓN DE NÁCAR CHILENO

En el campo del Cine, celebro con todas las ganas que Patricio Guzmán (director chileno residente en Francia) tenga el éxito que merece (al menos internacionalmente) con su producción de 2015 "El botón de nácar".

Utilizando a pleno su enorme talento (sin el cual ningún director puede aprovechar al 100% las diversas posibilidades que sólo el Cine da para ir a fondo en el tratamiento de un tema como la identidad de una nación) se hace cargo de demostrar el ninguneo histórico de los dirigentes de nuestra hermana República de Chile hacia sus aborígenes sureños contribuyendo a su exterminio, iniciado (¡cuándo no!) por invasores ingleses que llegaron a las islas australes gracias a los mapas realizados por Fitz Roy. También subraya la equivocación histórica de darle la espalda al inmenso Océano Pacífico adoptando una identidad cultural ajena a su realidad geográfica y el haber soportado (y todavía no juzgado del todo como debiera ser) a la horrenda dictadura de Pinochet, con su carga de desaparecidos arrojados al mar.

Integra esta nota un "avance" de "El botón de nácar" ( en el sector derecho de esta página) usted podrá ver oprimiendo el botón correspondiente. En este tramo se puede apreciar parte de la abundante información que la película nos da acerca de la cosmogonía de los aborígenes canoeros yámana (kawéskar), que "de puro salvajes e ignorantes que eran" pintaban sus cuerpos reproduciendo las constelaciones. Lo mismo que los aonikenk, alacaluf y sélknam aseguraban que el agua había venido a la Tierra desde las estrellas y vivían en perfecta armonía con la Naturaleza, con sus cuerpos totalmente desnudos, sobre sus canoas y con una temperatura media que llegaba en ocasiones hasta los 25 grados bajo cero.


Los kawéskar eran expresivos artistas plásticos, según puede apreciarse en la película de Guzmán. Podrían aprender de ellos algunos "pintores" y "fotógrafos" de nuestro tiempo que se hacen los raros arrojando pintura de cualquier manera contra las telas, "dibujando", mamarracheando cine y realizando lo que han dado en llamar "instalaciones" mezclando objetos de cualquier clase (a menudo figuras queridas como Perón y Evita)  en cualquier orden. Claro, lo hacen en locales apropiados y con las críticas de especialistas que los elogian y ayudan a vender esos extraños productos que no tienen la menor identidad argentina ni suramericana. Es lamentable que instituciones del Estado como la Universidad Nacional de las Artes incluya a estos sujetos en programas de televisión del Canal Encuentro reporteándolos como si fueran geniales creadores.

Ricardo Luis Acebal


¿QUÉ ES Y PARA QUÉ SIRVE LA IDENTIDAD? (2)

ACADEMIAS: ¿LEJOS DEL PUEBLO?

por Alberto Sorzio

(artista plástico y profesor del Area Folklore de la

Universidad Nacional de las Artes)

La palabra Academia, de origen griego, se refiere el espacio creado por Platón en las afueras de Atenas y deriva del nombre del héroe Akademos que salva a dicha ciudad de una guerra provocada por el rapto de Helena. No se sabe con certeza por qué Platón eligió ese nombre, pero no viene al caso detenernos en las suposiciones. Lo que sí es cierto es que el término ACADEMIA deriva de EKAS, que significa lejos  y de DEMOS que significa pueblo. A través de los siglos el termino Academia fue utilizado para muy diversas asociaciones.                                                                     

En los tiempos modernos (¿qué son tiempos modernos?) el término designa a agrupaciones de exclusividad. Eso en sí mismo no sería criticable si el propósito fuera unirse alrededor de un saber o una especialización para profundizar conocimientos o investigaciones. Pero asistimos en la mayoría de los casos a la formación de entidades exclusivistas que dictaminan sobre el  saber o el pensar y que aquel que accede a ese ámbito es un ser superior casi divinizado que necesariamente tiene que separarse del vulgo. Y lo que es peor, estas "entidades" tampoco investigan.

 


Profesor Alberto Sorzio.


                                                                      En cuanto a las Artes Visuales, el criterio de espectáculo va ganando a los artistas contemporáneos. Los griegos, que crearon la Academia, no tuvieron entre las nueve musas hijas de Zeus, a ninguna referida a la pintura o la escultura: porque estas actividades eran consideradas oficios en la misma categoría de los constructores o albañiles. Quiere decir que esas labores acompañaban a la arquitectura que es la creación de espacios para la gente.

                                                                       Desde los orígenes del hombre, las artes en sus diversas manifestaciones, estaban ligadas a lo sagrado, a lo ritual; quiere decir que cumplían funciones comunitarias y necesarias para la vida de los pueblos. Las artes visuales comenzarán a perder esas características a partir del "Renacimiento" cuando sus producciones se conviertan en obra de autor y en bienes muebles y por lo tanto coleccionables, perdiendo paulatinamente el carácter comunitario dado que su función será meramente estética y de uso y contemplación privados.

Es cierto que la historia transcurre y es irrepetible, pero en una Patria como la nuestra y en un continente que sigue elaborando definiciones identitarias, los artistas, los hombres de la cultura, no debemos estar al margen de esas reflexiones, optando por subir al carro de la moda o del éxito publicitario o comercial, porque es precisamente lo que buscan los medios hegemónicos para continuar con la colonización cultural.

                                                                         Es notable que las historias del Arte Argentino traten someramente lo producido antes del 1800, como si no hubiera ocurrido nada entre las manifestaciones de los pueblos originarios y el aporte de lo hispánico, como si no hubiera existido un arte criollo. Inclusive cuando se refieren al barroco americano suelen presentarlo solamente  como una impronta colonizadora y no lo relacionan a los modos decorativos en las culturas prehispánicas. (lean a Buschiazzo y Schenone).  Yo aquí haría una reflexión: la palabra "arte" deriva del latín ARS y ARTIS que a su vez proceden del griego TEKNE, que designaba cualquier actividad humana destinada a un fin útil y generalmente comunitario. Pero hoy designa actividades "académicas", de producción individual, generalmente emparentadas a modelos  establecidos por los centros hegemónicos de cultura. Ahí aparece otra palabra: "cultura" cuya aplicación hoy día está muy alejada de su origen latino "cultus" que era "cultivar la tierra".

                                                                  Por eso son "Historia del Arte": narran lo que hicieron los "cultos", los que saben, y poco importa reflexionar sobre la finalidad comunitaria, identitaria y sacralizadora de las manifestaciones preexistentes. Graciela Dragoski dice: "en el siglo 19, con el nacimiento de nuestras oligarquías republicanas se inaugura el periodo de autocolonizacion".  Y agrego yo: dura hasta hoy.

                                                                  La creación de nuestras escuelas de arte se realiza en el marco intelectual de la generación del 80, al calor del postulado "civilización o barbarie", que impregna toda la discusión académica de una época que aspira a celebrar el "Centenario" mostrando nuestra pertenencia "al mundo", reafirmar que "no quedamos afuera" (me parece haber escuchado algo parecido no hace mucho) que somos igual que Europa...

Era un discurso centralizador que pretendía "homogeneizar y controlar a los sectores populares con distintas tradiciones, historias y valores orientados hacia su propia legitimación" (Roberto Amigo). Esta impronta constituye algo así como el bajo continuo de la educación artística que resuena incluso bajo los matices rupturistas de algunas manifestaciones. No por nada la crítica y la prensa hegemónica los difunde y elogia.

                                                                  No da esta nota para extenderme mucho más en el problema de cuál sería un arte nacional y americano. Además quien lo desarrolló maravillosamente fue Rodolfo Kusch en "Anotaciones para una Estética de lo Americano" que tendrían que conocer y reflexionar todos los estudiantes de arte (y no me refiero solo a los de artes visuales). La dualidad, la estética de lo tenebroso, el carácter mandálico, la bidensionalidad, el "hedor" de América, la cosmovisión del "Estar", no se pueden comentar en pocas líneas: lean "América Profunda" y después me cuentan. (¿no tendría que ser lectura fundamental de la formación docente?)

                                                                  La vidriera nos gana: un arte del cambio por el cambio mismo nos conduce a que "Cambiemos" sin saber para qué. Como diría Kusch : "se valora el producto artístico sobre la génesis de ese producto", por eso "una estética de lo americano no puede fincar en una estética del arte sino del acto artístico"... "porque el acto artístico parte de la vida como absoluto"...en lo más hondo "es un triunfo de lo estático sobre lo dinámico". Y aquí habría que desarrollar toda la teoría del "ser" y el "estar" (repito: lean América Profunda). La comprensión de la vida como absoluto solo es posible en una cultura de lo comunitario y la inclusión, porque lo estático es lo esencial. Lo contrario sería  existencialismo individualista. Pocos artistas han logrado eso. Un camino tendría que ser el folklore, pero se desvía por el afán de originalidad y exigencias del espectáculo. En una cultura de reflexión, de interioridad y sacralidad, no entran ni el ruido, ni la velocidad, ni el virtuosismo.  Un arte que perdura es porque procede del fondo vital, ("tenebroso" diría Kusch) fundamentalmente colectivo. La copla es un ejemplo, que existe más allá de deformaciones comerciales. Y lo mismo diría de mi admirado Molina Campos, vagamente  o casi nada mencionado en las Historias del Arte, que subsistirá más allá del merchandising (¡se ve que lo dominais...!) que trata de reducirlo al campo de lo pintoresco y superficial porque no lo comprende, o quiere vaciar su contenido.


"Areco, a ponerse serio" de Florencio Molina Campos (1934)


                                                                        Será necesario que los que transitamos las artes visuales, recordemos que Zeus no designó ninguna hija para presidir nuestro quehacer, que nuestro oficio fue esencialmente eso: un oficio como los albañiles o el de los  agricultores, que nuestra función en la historia fue traducir en imágenes visuales el pensamiento colectivo, que desde los primeros tiempos de la humanidad esas imágenes estuvieron ligadas a lo ritual, que el artista (¿se lo llamaría así?) no buscaba la producción de imágenes originales, sino imágenes eficaces. Y la eficacia el fundamento de los gestos del ritual.

                                                                      Lejos de las "academias" y cerca de nuestra América Profunda, les mando a todos los lectores un gran abrazo.

 

 

                                                                                                                                        



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Fragmento de uno de los murales mayas más antiguos, descubierto en el año 2001 en San Bartolo, una pequeña ciudad -4km2- ubicada en el norte del Petén guatemalteco, al noreste de Tikal, muy cercana -8 km- a Xultún.   Los profesores Abel Anibal Zabala, Ricardo Acebal y Alberto Sorzio conduciendo una clase especial sobre Payadores en el Area Folklore de la UNA (Universidad Nacional del Arte). Foto: Rafael L. Gindin. Kawéskar-yamana, sobrevivientes de un genocidio cometido en nombre del "progreso" por civilizados nacidos afuera y adentro del territorio americano.  Profesor Alberto Sorzio. "Areco, a ponerse serio" de Florencio Molina Campos (1934)     


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